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杉本博司攝影展 文心藝所登場！四種系列走入海景、劇院與存在的瞬間
by 美麗佳人編輯部-更新
整理＆編輯／Melody TU；資料及圖片提供／文心藝所
「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」— 杉本博司
對人類而言，攝影的鏡頭就如同我們的眼睛。它不僅是觀察世界的工具，還是捕捉和呈現現實的方式，將我們的視覺經驗轉化為具體的影像。快門開啟的瞬間，時間被捕捉並轉化為影像，使稍縱即逝的記憶得以停駐。
在杉本博司的創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。他透過作品讓時間在影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。
此次文心藝術基金會與杉本博司工作室策畫，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》，及《偏光色》共四個系列。在《過去的存在》系列中，杉本博司捕捉西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。《劇院與歌劇院》系列將整場電影壓縮為一幅畫面，使時間的流動凝結為一片耀眼的銀幕。從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出具一致性、海與天各半的純粹區塊，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越具體時空的詩意圖像。《偏光色》系列則是杉本博司首次探索彩色攝影的作品，透過光的折射與色彩變化，深入探討光的本質。此系列延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。透過這四個系列，杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。
走進杉本博司鏡頭下的永恆瞬間
涵蓋攝影、雕塑、寫作、表演與裝置藝術的藝術家
杉本博司現居於紐約與東京兩地，並曾於倫敦海沃德美術館、北京尤倫斯當代藝術中心及澳洲當代美術館舉辦回顧展。其作品為紐約大都會藝術博物館、紐約現代藝術博物館、古根漢美術館、巴黎東京宮、龐畢度藝術中心等國際藝術機構收藏，並舉辦個展。曾獲英國皇家攝影學會百年紀念獎章、野口勇獎、日本政府紫綬褒章、高松宮殿下紀念世界文化獎、哈蘇國際攝影獎及東京每日藝術賞等國際殊榮。
他的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。他在日本研習經濟學後，於1970年前往美國深造，攻讀藝術研究。作為跨領域藝術家，作品涵蓋攝影、雕塑、寫作、表演與裝置藝術，並進一步拓展至建築領域。2017年，他創建江之浦測候所，將時間與空間的對話具象化，體現他對藝術、歷史與自然關係的深層思考。
延伸閱讀：
杉本博司｜四種系列
1. PAST PRESENCE 過去的存在
Past Presence 071, L'homme qui marche II, Alberto Giacometti, 2016
Gelatin-silver print
Winsing Arts Collection / 文心藝術收藏
影像的記憶是精確的讀取，還是隨時間流逝而殘存的一種無形本質？杉本博司在「過去的存在」系列中拍攝二十世紀經典的藝術作品，持續深思「時間」與「歷史」的命題。
時間回到2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園即將到來的週年紀念進行創作。他在戶外工作之時，偶然間看到賈科梅蒂的一尊雕塑，隨即靈光一閃，決定離開雕塑花園。他移師到博物館的室內展廳，將鏡頭轉向館藏中的經典作品，新的系列作品於焉誕生。
這組影像如同杉本博司較早的「建築」系列，呈現失焦的朦朧感。過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使我們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？
2. THEATERS and OPERA HOUSE 劇院與歌劇院
Palais Garnier, Paris, 2019
Gelatin-silver print
Winsing Arts Collection / 文心藝術收藏
1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。「觀看一部兩小時長的電影，」藝術家指出，「無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」
攝影作品中央那亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，照亮二十世紀初美國宏偉的宮殿式電影院。空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。
杉本博司隨後移至其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的，正是這些劇院；較為晚近的《廢棄劇院》（2015），則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。
3. SEASCAPES 海景
North Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2002
Gelatin-silver print
「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」杉本博司說他對大海的著迷，追溯至童年時光。「我最早的個人記憶，便是一片海。」他解釋道：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深銘刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」
「海景」系列始於1980年，如今已成為杉本博司「窮其一生的創作計畫」，由於「每一道波紋都必須清晰可見」，更是技術難度最高的一項攝影計畫。為了拍攝出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半。他的構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，專心一意聚焦於水、空氣以及日月光影的交織。
「海景」系列的構圖統一，因而在視覺上近乎抽象繪畫。杉本博司自承：「與其說是透過攝影描繪世界，將內心的海景投射到世界這塊畫布之上，是我更希望做到的。」
4. POLARIZED COLOURS 偏光色
Polarized Color 088, 2010
Polaroid photograph
牛頓在1704年發表劃時代的著作《光學》（Opticks），他在書中提出證據推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等七種獨立的色彩所組成。
杉本博司受牛頓棱鏡實驗啟發，自2009年起投入對光的記錄：「我想要捕捉的是色彩本身，不是形體。」
杉本博司在東京的工作室裡精心設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機和一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。寶麗來相機的尺寸小巧，可創造出濃郁鮮明，並且最純粹的色彩。細究這些攝影作品能發現變化無窮的微妙色調，「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有七種？」杉本博司質疑道。「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」
杉本博司
Hiroshi Sugimoto
展期｜2025.04.12 - 08.31
地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）
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